Vielleicht könnt Ihr auch etwas damit anfangen, hier ist der Tippzettel mit den gerade gestern veröffentlichten Nominierungen für die Verleihung 2012: Oscar-Nacht 2012 Tippzettel (PDF, ausfüllbar, 162 KB)

Nun steht der neue Film von Fincher vor der Tür: „Verblendung“ (englisch: „The Girl with the Dragon Tattoo“). Der Thriller ist Auftakt der dreiteiligen „Millenium“-Trilogie basierend auf den Bestseller-Krimis von Stieg Larson. Eine schwedische Verfilmung des gleichen Stoffes lief bereits 2009 erfolgreich in unseren Kinos und kurze Zeit später auch im Fernsehen. Erfolgsregisseur Fincher versucht sich hier erstmals an einem Remake und das bei einer sehr starken Vorlage, die bereits der Schwedin Naomie Rapace eine Hollywood-Karriere ermöglichte. Und für diesen Film setzt Fincher abermals auf Reznor und Ross.

Der Film startet am 12. Januar 2012 in unseren Kinos, drei Wochen nach dem US-Start.

Die Komponisten: Trent Reznor und Atticus Ross

Trent Reznor ist der Frontman und einziges festes Mitglied von „Nine Inch Nails“, einem Industrial-Rock-Musikprojekt, das durch die Hintergrundmusik des Computerspiels „Quake“ von 1996 besondere Bekanntheit erlangte (das Spiel war bis November 2011 in Deutschland auf dem Index). Er ist aber auch für den Soundtrack von „Natural Born Killers“ verantwortlich, und im Vorspann des Films „Sieben“ (ebenfalls David Fincher) wird ein Stück von ihm musikalisch zitiert. Er hat an weiteren Film-Soundtracks mitgearbeitet, darunter „The Crow“, „Lost Highway“, „Fight Club“, „Lara Croft: Tomb Raider“ und „Doom“.

Atticus Ross hat bereits vorher bei „Nine Inch Nails“ mehrfach mit Reznor zusammengearbeitet. Er lieferte den Soundtrack zu mehreren TV-Serien von Albert und Allen Hughes und für deren ersten Spielfilm von 2010, „The Book of Eli“.

Wofür passt er?

Nochmals ist es ein sehr verstörendes Werk, das mit sehr ungewöhnlichen Samples arbeitet, teilweise Newman-ähnlich schräge Klangwelten für sich entdeckt (der Track „Oraculum“ erinnert mich doch zeitweise sehr stark an Newmans wegweisendem „American Beauty“-Soundtrack). Die vielfältige elektronische Klangwelt bleibt in der Regel stark unterkühlt bis frostig, und eignet sich daher vor allem fürs Horror- und Thrillergenre der Jetzt-Zeit. Aber auch für Science-Fiction-Settings kann der Soundtrack gut eingesetzt werden, insbesondere in Dystopien oder Cyberpunk-Szenarien.

Stichworte: Kalter Schneeregen, der einem das Atmen schwer macht. Monotone Produktionsstrecke in einer nichtssagenden Fabrik. Irgendwo lauert da im durch sauren Regen sterbenden Wald ein Mörder, der Dich verfolgt. Ein Alptraum, an dessen Inhalte man sich um so mehr nicht mehr erinnern kann, je intensiver man es versucht.

Gibt es Stücke, die problematisch fürs Rollenspiel sind (z. B. Voiceover)?

Track 1 („Immigrant Song“) hat Gesang (dieser wurde für den ersten Trailer des Filmes verwandt, s. u.) und kann daher störend wirken. In Track 39 („Is Your Love Strong Enough?“) ist der Gesang deutlicher, der Track ist ein Cover von Bryan Ferry und wird von Reznors und Ross’ Bandprojekt „How To Destroy Angels“ interpretiert. Er ist recht alternative-rock-poppig und eindeutig für einen Abspann gedacht. Entsprechend würde ich ihn aus einer Rollenspiel-Playlist streichen.

Wo gibt es den Soundtrack?

Seit wenigen Tagen gibt es den kompletten Soundtrack im eigenen Webshop der Künstler als digitale Downloads (ab US-$ 12,–, also ungefähr € 9,–) zu bekommen (stellt von GBP auf USD um, das wird so sicher billiger), als CD und sogar als Special-Vinyl-Edition gibt es ihn ab dem 27. Dezember 2011, dann auch im stationären Handel.

• Die MP3 sind ohne Rechtemanagement, mit 320-kbps sehr hochwertig kodiert. Alternativ gibt es auch einen zwei Dollar teureren Download in einem verlustfreien Datenformat.
• Der Soundtrack selbst ist fast drei Stunden lang (2:53:51).
• Man benötigt auf der Website der Künstler zwingend eine Kreditkarte zum Kauf.

Sechs Tracks aus dem Album können als kostenloser Download unter Angabe einer E-Mail-Adresse bezogen werden.

Bleibt zu vermerken: die Kinosäle im Cinemaxx Dammtor in Hamburg sind echt angenehm klimatisiert – die Verkaufs- und Wartefläche davor leider nicht ansatzweise. Dass es aber direkt vor der Warteschlange bei Saal 1 so leckere Ben&Jerry’s-Eis-Milchshakes gibt ist … eine wunderbare Idee, und bestimmt Zufall! 2012 stehe ich da sicher wieder an.

Das war jetzt das 25. Fantasy Filmfest. Die habe ich zwar nicht alle mitgemacht (als es begann war ich halt noch unter 18), aber ich bin echt froh, dass es eine solche Geschichte jedes Jahr gibt. Ich bin seit 2001 dabei, wenn ich mich richtig erinnere, und möchte es gerne auch noch viele Jahre erleben. Danke an die Veranstalter.

Poster „Attack the Block“ (Studio Canal)

Die Story

Eine junge Passantin wird in einer Londoner Vorstadt in der Silvester-Nacht von einer Gruppe halbwüchsiger Teenager überfallen. Plötzlich schlägt ein Meteor in ein nebenbei parkendes Auto ein. Der Anführer der Gang, Moses, schaut es sich näher an und wird von einem außerirdischen Monster angegriffen. Er kann es aber umbringen – und stolz bringen die Prolls ihre Beute in den „Tower“, der gigantische Wohnblock, in dem sie alle hausen.

Doch es bleibt nicht bei einem Außerirdischen. Während hunderte Raketen grelle Blitze in den Himmel tragen, treffen von dort weitere glühende Meteroiten auf die Nachbarschaft. Die Gang muss sich entscheiden, ihr Revier nun gegen pechschwarze Außerirdische Wesen zu verteidigen – und gleichzeitig unter dem Radar der Polizisten zu bleiben.

Die Kritik

John Boyega u. a. in „Attack the Block“ (Studio Canal)

Nach all den US-amerikanischen Produktionen der letzten Tage ist es durchaus erfrischend, einmal britisches Englisch zu hören – wenn man es denn verstehen könnte. Denn das ist für das ungeübte Ohr die erste große Herausforderung des Filmes: der Vorstadt-Slang gepaart mit dem Londoner Cockney-Akzent arg gewöhnungsbedürftig. Auch sind die Dialoge nicht ansatzweise so bissig und ironisch, wie man eigentlich aus einem Film, in dem Nick Frost mitspielt, erwarten würde. Die Story läuft dann so vor sich hin, es gibt recht wenige Überraschungen, aber dafür eine recht solide Leistung der jugendlichen Darsteller. Das Budget des Filmes war offenbar gering, Spezialeffekte sind eher dünn gesät und das Budget ging vermutlich für ein paar Fahrzeugcrashs und ein, zwei demolierte Wohnungen drauf. Interessante Wendungen, die man nicht schon meilenweit vorher gerochen hat, bleiben aus. Und auch das Thema „Ghetto-Kids“ gegen Aliens wird nicht wirklich ausgereizt. Leider. Es bleibt ein kleiner Genrefilm für Popcornfans. Nett. Aber eben nicht mehr.

Attack the Block (GB 2011)

Regie: Joe Cornish

Splatterfaktor: Vereinzelt.

Chance, den Film auch im regulären Kino zu sehen? Überraschenderweise ja. 22. September 2011 ist derzeitig angepeilter Deutschlandstart.

Was fürs Heimkino? Für einen gemütlichen Abend (mit Joint) …

Wie ist der Soundtrack? Sehr hip-hop-lastig. Passt zum Film, aber nix fürs Rollenspiel.

Besser als „Banlieue 13“? Anderes Genre, aber nein: der Punkt für den besseren Vorstadtfilm geht an Luc Besson.

Besser als „Misfits“ (TV Serie)? Ach, hätte man doch nur die Dialogschreiber dieser Serie engagiert …

Rollenspiel-Inspirationsfaktor? Nicht wirklich.

★★★★★★☆☆☆☆

Frank (Rainn Wilson, „Juno“) hatte nur zwei Punkte in seinen bisherigen Leben, die ihn stolz machten. Der wichtigste davon war, Sarah (Liv Tyler, „Der Herr der Ringe“) zu treffen, und heiraten. Diese Heirat scheiterte, als Sarah an den zwielichtigen Jacques (Kevin Bacon, „Bacon-Faktor-Spiel“) gerät und durch diesen in alte Alkohol- und Drogensuchtexzesse zurückfällt.

Rainn Wilson in „Super“ (Crimson Bolt)

Frank verzweifelt. Und im Moment seiner Verzweifelung wird er von Gott inspiriert. Genauer von einem cheesigen Superhelden namens „The Holy Avenger“ (Nathan Fillion, „Doctor Horrible’s Sing-Along-Blog“) aus dem Fernsehen. Er informiert sich daher bei der Comicshop-Verkäuferin Libby (Ellen Page, „Juno“), wie denn diese Superhelden-Geschichte überhaupt so funktioniert. Und schon bald bastelt er sich ebenfalls ein cheesiges Kostüm, nennt sich „The Crimson Bolt“ und jagt Schurken. Dabei hat er keine Superkräfte. Aber das macht er mit Enthusiasmus und einer Rohrzange, mit denen er die Schädel dieser Verbrecher einschlägt, locker wett …

You don’t butt in line! You don’t sell drugs! You don’t molest little children! You don’t profit off the misery of others! The rules were set a long time ago! They don’t change!

Die Kritik

„Kick Ass“ beschäftigte sich mit der These, was denn passieren würde, wenn ein einfacher Mensch sich in unserer Realität ein Kostüm anlegt und auf Verbrecherjagd gehen würde. Die Antwort gibt aber „Super“ weit besser. Dieser Film ist kompromisslos, gnadenlos unterhaltsam und gleichzeitig fröhlich schockierend. Er braucht nicht irgendwelche tollen Gadgets, um irgendwann in eine Superheldenrealität einzutauchen. Hier sind die Figuren gleichzeitig realer aber auch allesamt hoffnungslos überzeichnet.

„Super“ ist bisher das absolute Highlight des diesjährigen Fantasy Filmfestes. Beim besten Willen: ich kann den Film nur loben, mir fällt kein einziger Kritikpunkt ein. Selbst die Vergewaltigung im Film ist großes Kino. Es ist ein fantastisches Meisterwerk. Allerdings wie so oft, wird es sicher spalten und viele werden es hassen. Dennoch und vielleicht gerade deswegen: Angucken! Uns dreien hat er aber gefallen. Dieser Film ist perfekt!

„Super“ (USA 2010)

Regie: James Gunn („Slither“)

Splatterfaktor: En masse!

Chance, den Film auch im regulären Kino zu sehen? Bisher gibt es keinen Deutschlandstart. Leider eher unwahrscheinlich, dass da noch einer kommt.

Was fürs Heimkino? Die Blu-Ray werde ich vorbestellen!

Wie ist der Soundtrack? Unwichtig.

Besser als „Kick Ass“? Ich mochte „Kick Ass“. Ich konnte mir nicht vorstellen, dass dieser Film besser sein könnte. Ich habe mich geirrt.

Besser als „Defendor“? Ach, Woody Harrelson ist zwar gut, aber der Film an sich war doch eher lahm.

Rollenspiel-Inspirationsfaktor? Eher gering. Zu schnell gehen die Charaktere drauf. Vielleicht aber etwas für einen One Shot.

★★★★★★★★★★ (Ja, das sind 10 Punkte. Das stimmt so!)

In New York explodieren offenbar mehrere Atombomben. Während noch die Pilze sich an den Fensterfronten spiegeln, retten sich einige Hausbewohner in den sicheren Keller des Hochhauses. Dort kennt sich einer vor allem aus: der Hausmeister Mickey (Michael „Terminator“ Biehn). Und der stellt gleich einige harte Regeln auf: die Tür wird keiner öffnen, damit kein radioaktiver Staub in die Zuflucht kommen kann. Der paranoide Hausmeister hat praktischerweise einige Konserven hier unten gehortet. Aber wie lange müssen sie dort unten ausharren? Und vor allem: was ist da oben los? Gibt es Hoffnung auf Rettung, oder ist die ganze Welt zerbombt?

Es dauert nicht lange, und die Notgruppe zerfällt unter diesen widrigen Umständen. Aus Angst wird Panik, Terror und Gewalt. Und plötzlich scheint sich jemand fremdes einen Zugang zu ihrer tristen Zuflucht zu verschaffen …

Die Kritik

Puh. Der Film schlägt auf den Magen. Man lässt sich zwangsweise auf eine düstere Dystopie ein, das war klar. Und es war auch klar, dass man dem Zerfall einer sozialen Gemeinschaft beiwohnen würde, die so drastisch vielleicht zuletzt in Oliver Hirschbiegels „Das Experiment“ gezeigt wurden, aber eigentlich nur bekanntes Material aus „Herr der Fliegen“ ist. Am Ende ist jeder sich selbst der nächste, wirkliche Helden gibt es nicht. Das wird einen schonungslos klar, während man die Spirale der Verzweifelung verfolgt, die einen dort gezeigt wird. Das kann nicht gut enden, wird einen ziemlich schnell klar. Dennoch klammert man sich, wie wohl die Protagonisten auch, an die vage Hoffnung, dass irgendwann eine Rettung naht und der selbst gemachte Horror irgendwann ein Ende hat.

Der Film löst nicht auf, wer oder was diesen nuklearen Alptraum verursacht hat. Darum geht es in dem Film auch gar nicht. Der Fokus liegt einzig und allein auf die soziale Isolation der Gruppe und wie diese mit dieser schrecklichen Situation umgeht. Entsprechend ist die schauspielerische Leistung um so wichtiger. Und diese ist durch die Bank gut bis herausragend. Neben dem schon erwähnten Michael Biehn, stechen der Milo Ventimiglia („Heroes“) und die bisher eher nur aus Nebenrollen bekannten Michael Eklund und Lauren German hervor. Andere geraten eher in den Hintergrund, was aber auch an der ihnen zugeteilten Rolle liegen mag. Immerhin: es gelingt den Kameramann auch in den eher beengten Räumlichkeiten zwar eine entsprechende Atmosphäre aber auch genügend Abwechslungen einzubauen.

Einige Entwicklungen sind nur schwer nachvollziehbar und man kommt von dem Gefühl nicht los, dass sie passieren mussten, damit ein entsprechender Weg später möglich war. Der Film ist dennoch sicherlich ein interessantes und gleichzeitig schockierendes Gedankenspiel. Er wird nicht unbedingt besonders lange in Erinnerung bleiben. Aber ein Erlebnis ist er sicherlich.

„The Divide“ (USA/CA/D 2011)

Regie: Xavier Gens („Hitman“)

Splatterfaktor: Oh, ja …

Chance, den Film auch im regulären Kino zu sehen? Soll wohl erst 2012 in den USA in die Kinos kommen, hierzulande tippe ich auf Direct2DVD irgendwann Mitte/Ende 2012.

Was fürs Heimkino? Lieber ausgeliehen. Mehrmals sehen muss man den Film nicht – und will es wohl auch nicht.

Wie ist der Soundtrack? Hat ein klares, ruhiges und trauriges Thema, das immer wieder variiert wird. Kann ich mir gut für entsprechende Rollenspiele vorstellen.

Besser als „Das Experiment“? Nein. Dazu gibt es ein paar Logiksprünge zu viel. Dennoch beängstigend.

Rollenspiel-Inspirationsfaktor? Keiner. Das möchte ich einfach nicht einer Rollenspielrunde zumuten.

★★★★★★☆☆☆☆

thedividethemovie.com

Connor Paolo in „Stake Land“ (Glass Eye Pix)

Die Zivilisation, wie wir sie kennen ist zusammengebrochen. Dieses mal sind es aber keine Zombies, sondern Vampire, die jede Nacht marodierend durch die Welt laufen und alles angreifen, was nach Blut riecht. Öhm. Okay, der Unterschied zu Zombies ist hier eigentlich gering, nur dass man täglich ein paar Stunden Pause vor diesen Fieslingen hat, während die Sonne scheint.

Am Rande des Zusammenbruchs wollte der Teenager Martin (Connor Paolo) gerade mit seinen Eltern fliehen. Doch dem macht ein Vampir ein Strich durch die Rechnung, der seine Eltern und deren Baby mal eben gnadenlos abmurkst. Martin kommt durch Mister (Nick Damici), einen geheimnisvollen Fremden, davon, der sich als einsamer Vampirjäger in der Tradition von Van Helsing sieht. Er nimmt Martin als Lehrling an, gemeinsam reisen beide nun durch diese Post-Apokalyptische Welt. Auf der Reise nehmen sie immer wieder andere Flüchtige ein Stück mit und müssen sich nicht nur den Vampiren, sondern auch gegenüber einer durchgeknallten christlichen Sekte und deren durchgeknallten Anführer zur Wehr setzen.

Die Kritik

Nick Damici in „Stake Land“ (Glass Eye Pix)

Im Gegensatz zu „Hell“, der mitten im Film das Metier wechselt, bleibt dieser Film die ganze Zeit über ein Road-Movie. Episodenhaft skizziert er den Weg der beiden nach „New Eden“, eine obskure Hoffnung einer Zuflucht, irgendwo im Norden im kalten Kanada. Beide wachsen ein Stück aneinander, wobei eine Bindung in dieser Welt immer nur auf Zeit sein kann, wie beiden immer wieder in Erinnerung gerufen wird. Entsprechend unnahbar gibt sich Mister, der sich nicht nur hinter diesem einfachen Pseudonym versteckt.

Der Film legt auf zwischenmenschliche Beziehungen in der Hoffnungslosigkeit großen Wert. Dennoch vergisst er keinen Moment den Horror dieser Welt und schafft damit einen wirklich interessanten Balanceakt. Aber: er hat einige grundlegende Probleme in der Ausführung. Das Pacing des Filmes ist bisweilen holperig, der Schnitt macht an einigen Punkten einen unfertigen Eindruck. Ausgerechnet der „finale“ Kampf gerät genauso unverständlich wie zu kurz. Irritierend sind auch die Teaser, die es zu den Film im Internet gibt. Sie zeigen bspw. Vampire bei Tage, was im Film letztlich keine Rolle mehr spielt. Und: für einen Road Movie bleibt der Film teilweise recht lange an einen Antagonisten hängen.

Dennoch er findet genau die richtigen zwischenmenschlichen Töne und das ohne Holzhammer. Der wird schließlich für den Pflock gebraucht.

„Stake Land“ (USA 2011)

Regie: Jim Mickle

Splatterfaktor: Das Filmblut fließt reichlich, und bereits in den ersten fünf Minuten wird – mal eben – ein Baby ermordet. Der Film ist nicht zimperlich, und das verwöhnte Publikum wird regelmäßig mit ordentlichen Schockeffekten aufgemuntert.

Chance, den Film auch im regulären Kino zu sehen? Sehr unwahrscheinlich. Der Film hat es bereits in den USA nicht in die Kinos geschafft.

Was fürs Heimkino? Für Genre-Fans durchaus. Allerdings ist bisher keine Veröffentlichung hier bekannt, in den USA bereits am 2. August erschienen. Erscheint am 30. September 2011 auf DVD und Blu-Ray unter dem übersetzten Titel „Vampire Nation“ in Deutschland.

Wie ist der Soundtrack? Setzt häufig auf einsame, aber eingängige Klaviertöne. Diese variieren etwas wenig, sind aber stimmig.

Besser als „The Road“? Ja, den Film habe ich immer noch nicht gesehen. Wird bald nachgeholt.

Besser als „Zombieland“? Schwer vergleichbar, „Zombieland“ ist eine Komödie, dieser Film nimmt sich durchweg ernster. Und den Gastauftritt eines Ghostbusters-Darsteller lässt sich auch mit einem Gastauftritt der „Top Gun“-Sahneschnitte, die ziemlich alt geworden ist, nicht ausgleichen.

Rollenspiel-Inspirationsfaktor? Das könnte eigentlich eine gute Inspirationsquelle für „Apocalypse World“ oder andere Endzeitsysteme sein.

★★★★★★★★☆☆

stakelandmovie.com

Daniel Craig in „Cowboys & Aliens“ (Paramount Pictures)

Der Fremde (Daniel „James Bond“ Craig) erwacht irgendwo in der Prärie. Er blutet aus einer offenen Wunde im Unterleib und trägt am linken Handgelenk eine seltsame Manschette. Lange wundern kann er sich nicht, denn das ansonsten nur durch einen verzogenen Raufbolden gestörte Westernkaff, in das er gerät, wird angegriffen. Von seltsamen Fluggeräten, die offenbar Jagd auf Menschen machen und diese entführen wollen. Zusammen mit einem Kriegsveteranen (Harrison „Indiana Jones“ Ford) und einer schönen Fremden (Olivia „13“ Jones) macht er sich auf, die Entführten aus den Klauen der Außerirdischen Dämonen zu retten. Praktischerweise entpuppt sich die Maschette an seinem Handgelenk als potente Energiewaffe, denn sie brauchen alle Hilfe, die sie bekommen können.

Die Kritik

Eins muss man den Filmen von Regisseur Jon Favreau („Iron Man“) lassen: er weiß, wie man gutes Action-Popcorn-Kino inszeniert. So kann man auch hier kaum etwas aussetzen. Der Film macht Spaß, ist an keiner Sekunde länger als nötig, und bedient nebenbei alle möglichen Western- und Alien-Tropes.

Harrison Ford in „Cowboys & Aliens“ (Paramount Pictures)

Man muss sich im klaren sein, dass man hier keinen komplexen Western wie „True Grit“ oder einen reinen Alien-Horror wie „Alien“ vorgesetzt bekommt. Der Film hat keine komplexe Metaebene, sondern ist ein typischer Sommer-Blockbuster. Der Film löst aber das Versprechen seines Titels problemlos ein. Es geht darum, was passiert, wenn Aliens auf Cowboys treffen. Nicht mehr. Aber auch nicht weniger. Ford und Craig spielen souverän ihre Rollen, allerdings vermisst man mehr Szenen mit ihnen zusammen. Überrascht, weil ich vorher nicht gelesen hatte, wurde ich durch die Nebenrollen von Clancy Brown und Sam Rockwell, die jeden Film allein durch ihre Anwesenheit verbessern. Bleibt als einziger Kritikpunkt, dass es irgendwie nicht so einfach vorstellbar ist, wie in die schlanken außerirdischen Fluggeräte die Aliens überhaupt rein passen würden.

„Cowboys & Aliens“ (USA 2011)

Regie: Jon Favreau

Splatterfaktor: Kaum vorhanden. Es gibt zwar ein paar Blutszenen, aber die gehören in beide Genres.

Chance, den Film auch im regulären Kino zu sehen? 100%. Deutscher Kinostart ist bereits der 25. August.

Was fürs Heimkino? Dankenswerterweise ein Blockbuster ohne 3D, aber auch sonst werde ich mir die Scheibe wohl zulegen.

Wie ist der Soundtrack? Harry Gregson-Williams ist ein solider, aber selten herausragender Handwerker. Auch hier liefert er einen recht typischen Hollywood-Action-Score ab. Nicht besonders eingängig, erfüllt seinen Zweck.

Besser als „…“? Keine Ahnung, womit ich den Film vergleichen sollte, dieser Genre-Mix ist mir bisher noch nicht unter gekommen.

Rollenspiel-Inspirationsfaktor? Vielleicht kann man für eine „Deadlands“-Runde etwas herausziehen. Ansonsten sehe ich ihn aufgrund des speziellen Themas doch eher als gering.

★★★★★★★★☆☆

cowboysundaliens.de

Was ist denn da bei der Orga in Hamburg schon wieder los?

Wie jedes Jahr hat der geneigte Festival-Gast die Option, eine von wenigen Dauerkarten vorher zu kaufen. Das rechnet sich ab etwa einen Dutzend Filme, wir kamen auch dieses Jahr noch nicht in diese Region. Daher haben wir vorher die Karten, wie auch in den vergangenen Jahren, online bei Cinemaxx-Tickets.de kaufen wollen.

Das klappte für zwei Filme. Danach akzeptierte der Service meine Kreditkarte nicht mehr. Ein kurzer Anruf bei der Karten-Hotline ergab, dass ich durchaus noch kreditwürdig sei, und sie auch nichts gesperrt hätten. Also hatte wohl der Cinemaxx-Ticketservice dies gesperrt. Ah ja. Gut, für die nächsten Filme gebe ich eben meine Kontoverbindung an, vielleicht ist das ja akzeptabler. War es. Allerdings abermals nur zweimal. Es stellte sich heraus, dass das Onlinebuchungssystem bereits nach zwei Ticketkäufen die Zahlungsverbindung erst einmal blockierte. Die Service-E-Mail-Bearbeiterin reagierte immerhin zügig und stellte auch fest, dass für ein Festival „die Sicherheitseinstellung nicht optimal [sind].“ Allerdings könnte sie selbst dies erst einmal nur weitergeben und bot mir als Ausweichlösung an, ich möge die Filme doch reservieren. Dies ging aber nicht online, sondern nur über eine kostenpflichtige Servicenummer. Immerhin bekamen wir dadurch alle Karten zusammen.

Daneben muss jemand weiteres geschlafen haben: für alle Filme durften wir dieses Jahr plötzlich Sitzplatzreservierungen durchführen. Dies wäre zwar generell begrüßenswert, aber bei einem Festival mit Dauerkarteninhabern ist dies einfach praktisch nicht realisierbar. Und so stellte sich beim Kartenabholen auch heraus, dass es „freie Sitzplatzwahl“ gab, wie mir die Servicemitarbeiterin freudestrahlend in Aussicht stellte. Ah ja.

Was natürlich abermals über eine halbe Stunde sich-die-Beine-in-den-Bauch-stehen bedeutete. Und dann hatte der erste Film auch noch Verspätung. Fängt ja gut an.

Okay, ich komme schon zum Film.

Die Story

Marie, ihre Schwester Leonie und der nicht wirklich sympathische Phillip sind in einem Auto unterwegs in die Berge. Allerdings ist es 2016, die Temperaturen sind um 10° über den bisherigen Durchschnitt gestiegen und eine fiese, ungefilterte Sonneneinstrahlung macht das Überleben in direkter Bestrahlung zunichte. Das System ist schon lange zusammengebrochen, die Menschen kämpfen um das aller nötigste: Wasser. Benzin. Dann auch noch vielleicht etwas zu Essen.

Die Hoffnung: ganz oben in den Bergen könnte vielleicht Regen fallen und ein langfristiges Überleben möglich sein. Bis dahin muss man nehmen, was man bekommen kann, und bei allen Menschen, denen man begegnet auf der Hut sein – denn sie wollen das selbe wie Du.

Der Road-Trip ist schon schwer genug, doch auf halber Strecke kippt das ganze völlig, als sie mitten in den kargen Bergen nicht weiter kommen …

Die Kritik

Ein deutscher Genrefilm? Moment. Sogar ein deutsch-sprachiger Genrefilm? Das gibt es noch? Doch, gibt es. Und nicht nur im Hobbybereich, sondern mit richtigem Budget und Schauspielern aus der vordersten Reihe wie Hannah Herzsprung („Vier Minuten“) Stipe Erceg („Der Baader Meinhof Komplex“) oder Angela Winkler („Die Blechtrommel“).

Dabei ignoriert der Film auch nicht seine Herkunft. Kleinigkeiten, wie das Titelblatt einer verstaubten „Süddeutschen Zeitung“ hier oder die Billigmarke eines Supermarktes dort, geben dem Film durchaus eine deutsche Authenzität (und es ist auch wieder angenehm, etwas nicht synchronisiertes zu sehen). Gedreht wurde der Film in Bayern, Brandenburg, der Schweiz und Korsika, letztere aber nur wegen eines Waldbrandgebietes, dass als durchaus eindrucksvolle Kulisse diente. Angenehmerweise schafft es der Film auch, auf ein Spezialeffektefeuerwerk zu verzichten, und setzt stattdessen sehr oft auf das grelle Überblenden des Bildes, wodurch er wirklich „Hell“ wird und einen einzigartigen Look bekommt.

Soweit die Habenseite.

Die andere Seite kommt leider nicht so gut davon. Der Film kann sich nicht entscheiden, in welche Richtung er eigentlich steuern will. Er fängt als Road-Movie an und gleitet dann auf der Hälfte der Strecke in einen anderen Genre-Bereich ab. Er bleibt dabei zwar in sich relativ konsistent, aber eigentlich würde man lieber die eine oder die andere Hälfte näher ausgeführt sehen. Das Thema, was eine solche Katastrophe mit den Menschen macht, ist interessant und spannend gewählt (Fragen nach dem Hintergrund der Katastrophe bleiben daher auch im Hintergrund). Aber er kann dies immer nur anreißen und bleibt wirklich interessante Fragen oftmals schuldig (von den Antworten ganz zu schweigen, aber darum geht es ja auch nicht). An manchen Stellen gerät der Film leider sogar so absurd, dass er unfreiwillig komisch wird. Teilweise vermag man die Motivation einzelner Figuren auch nur bedingt nachzuvollziehen. Immerhin werden rettende Gadgets bereits rechtzeitig im Film eingeführt, so dass sie nicht so sehr aus dem Hut gezaubert aussehen, wie sie es eigentlich sind.

Der Regisseur Tim Fehlbaum und einer der Produzenten waren auch für ein Q&A im Anschluss am Film zu haben. Dort hat sich der Regisseur die Herzen des anwesenden Publikums schnell erobert. Ganz im Gegenteil dazu der etwas steifere Produzent neben ihn, der stolz berichtete, er hätte Fehlbaum ausgeredet, einen Zombiefilm zu drehen was erst etwas skeptische Gesichter der Festivalgäste mit sich brachte. Doch dann rettete der Regisseur dies mit dem Kommentar, dass er seine eigentliche Absicht, einen Zombiefilm zu machen, immer noch nicht aufgegeben hätte – was zu großen Beifall führte. Insgesamt machte Fehlbaum eine sehr sympathische Figur und landet dadurch, und dass er im Anschluss sogar noch vor dem Saal einigen Fans persönlich Rede und Antwort stand, auf meine Liste der kreativen Köpfe, deren Schaffen ich auf jedem Fall erst mal beobachten werde.

Insgesamt schafft es der Film so gerade noch in den ausreichend bis guten Bereich hinein. Dennoch: allein um in der deutschen Filmlandschaft mehr solche Filme zu sehen, muss man sich den Film einfach angucken. Die deutsche Filmkultur muss einfach aus mehr, als nur aus Til Schweiger-Komödien bestehen.

„Hell“ (2011)

Regie: Tim Fehlbaum (Erstlingswerk)

Splatterfaktor: Mittel. Bleibt alles noch im erträglichen Bereich, wenn man mal von einer gewissen Grütze absieht.

Chance, den Film auch im regulären Kino zu sehen? 100%. Deutscher Kinostart ist 22. September

Was fürs Heimkino? Sobald er unter 10,— € zu kriegen ist, werde ich ihn mir wohl zulegen. Herzsprung allein ist dafür ja ein Grund.

Wie ist der Soundtrack? Eher im Hintergrund, fällt kaum auffällig ins Ohr. Keine besonders wieder erkennbaren Stücke, von einem gewissen Nena-Song abgesehen.

Besser als „The Book of Eli“? Keine Frage, ja. Um Längen. Aber „The Book of Eli“ ist ja auch aufgedunsener Hollywood-Schmonsens.

Besser als „The Road“? Kann ich nicht sagen, den Film habe ich leider noch nicht gesehen.

Rollenspiel-Inspirationsfaktor? Och, auf einen Endzeit-One-Shot habe ich durchaus mal wieder Lust bekommen.

★★★★★★☆☆☆☆

hell-derfilm.de

Die Story

Ein Meteor stürzt in den Dreißiger Jahren in einem Tal in Süddeutschland ab. Wissenschaftlern gelingt es nicht, das abgestürzte Objekt richtig zu analysieren – sie bemerken nur nach einiger Zeit eine Farbe in einem bisher auf der Erde unbekannten Spektrum. Einige Zeit später gehen seltsame Phänomene in diesem Tal vor. Erst tragen die Bäume riesige, aber ungenießbare Früchte. Dann zerfallen Pilze innerhalb weniger Augenblicke nach Berührung zu Staub und die Menschen verlieren langsam, aber unaufhaltsam den Verstand – während sie etwas an der Flucht hindert.

Andere Zeitebene: In den Siebziger Jahren begibt sich der Sohn eines US-Soldaten aus Arkham auf die Suche nach seinem verschollenen Vater in dem ehemaligen Besatzungsgebiet in Deutschland. Er findet das Tal, dass gerade geräumt wurde, da es für einen Stausee überflutet werden soll, und dort einen Augenzeugen der Ereignisse von damals. Schrittweise setzt sich ein Puzzle zusammen, dass so nicht wirklich rational fassbar ist.

Die Umsetzung

Zwei Filmstudenten haben sich die Kurzgeschichte „Die Farbe aus dem All“ von H. P. Lovecraft vorgenommen. Mit einem geringen Budget, wenigen Förderern, teilweise geliehener Ausrüstung und nahezu unbekannten Schauspielern, aber dafür umso mehr Elan machten Sie sich unerschrocken ans Werk. Dabei wurde der gesamte Film in schwarz-weiß gedreht. Lediglich die „Farbe“ durchbricht dieses Stilmittel und erstrahlt in einem grellem Lila/Pink-Ton. Gedreht wurde unter teils widrigen Umständen, größtenteils in öffentlichen Freilichtmuseen.

Der Film erlebte Ende 2010 seine Uraufführung und spielte seitdem auf wenigen Festivals. Die DVD und die Blu-Ray sind nahezu ausschließlich über den Eigenvertrieb via Internet zu bekommen, preislich gehen sie mit 14,49 €/18,49 € (zzgl. 2,– € Versand) durchaus noch in Ordnung. Die vorliegende Blu-Ray lag in einem simplen Digi-Pak, dessen Format aber eigentlich für DVDs vorgesehen ist (also etwas höher als eine normale Blu-Ray-Verpackung ist), was nur die verrücktesten Sammler weiter stören sollte.

Dem Film liegt ein Werbezettel für das Cthulhu-Rollenspiel von Pegasus bei.

Die Kritik

Schwarz-weiß als Stilmittel findet man heutzutage nur noch sehr selten in Filmen. Dennoch ist es immer noch sehr interessant, was auch „Das weiße Band“ von Michael Haneke 2009 mit absolut scharfen und beeindruckenden Bildern gezeigt hat. Die Bilder von „Die Farbe“ sind nicht so knackig wie bei Haneke, aber wissen dennoch visuell durchaus zu überraschen. Die Spezialeffekte sind ebenfalls durchweg gelungen, lediglich in einer Szene setzt sich der Rand eines Weltall-Fotos der Erde zu deutlich und irritierend vom Hintergrund ab (verschiedene Schwarztöne).

Die Geschichte aus dem Lovecraft’schen Universum der 20er Jahre wurde von Regisseur, Produzent, Cutter und Drehbuchautor Huan Vu aus den USA größtenteils nach Deutschland durch einen Kunstgriff verfrachtet. Er gewinnt dadurch allerdings nicht wirklich etwas Substanzielles hinzu – die Rahmenhandlung bietet eigentlich nur den Vorteil, einen Anknüpfungspunkt für das Lovecraft’sche Arkham zu schaffen – was natürlich die Fans des Mythos begeistert, alle andere aber kalt lassen muss. Im Gegenteil hätte eine vollständige Verschiebung nach Deutschland mit einigen Ungereimtheiten aufgeräumt: Der angeblich nur leidlich deutsch sprechende Sohn (so wird es etabliert) wird später detailreich die ganze grausige Geschichte erzählt – die dieser natürlich (aufgrund der Theatralik) nicht unterbrechen darf und daher plötzlich problemlos Deutsch verstehen können muss. Eine deutsche Familiengeschichte hätte hier vermutlich besser funktioniert. Dazu kommt das Problem, dass nicht alle englischsprachigen Rollen auch von Muttersprachlern gesprochen werden, wobei dies weniger ins Gewicht fällt (wenn man bedenkt, wie hahnebüchend schlecht bisweilen auch in großen Hollywood-Produktionen Deutsch gesprochen wird). Man hat die Wahl zwischen unterschiedlichen Untertiteln, allerdings irritieren diese zumindest auf der Blu-Ray-Version durch eine leichte gelbe Färbung vor dem Schwarz-Weiß-Bild. Sie lassen sich allerdings ausschalten.

An anderer Stelle kommt der Horror für meinen Geschmack dann auch etwas zu kurz. Zwar wird vieles der Vorstellungskraft der Zuschauer überlassen (was sehr viel effektiver sein kann als jeder Spezialeffekt), aber manches hätte man halt doch noch gerne gesehen und nicht nur beschrieben bekommen. Wenn schon beschrieben wird, dass es im Wald von sich selbst bewegende Äste auch bei sonstiger Windstille gibt, dann will man bei der nächsten Waldszene auch etwas in der Art sehen. Oder man verzichtet halt auf weitere Waldszenen. Und: der eine in sich zerfallene Pilz wirkt visuell faszinierend und eindrucksvoll – aber eigentlich sollte hier doch mehr als „nur“ ein Pilz verrotten und zu Staub werden, oder?

Dennoch muss man auch viele Aspekte des Films deutlich loben. Die Ausstattung wurde mit viel Liebe zum Detail getroffen, die Wahl, in Freilichtmuseen zu drehen, gibt dem Film eine authentische Note, wie auch die Autos der Siebziger Jahre samt alten Kennzeichen. Die schauspielerischen Leistungen sind durch die Bank ausreichend bis gut. Und auch die Filmmusik reichert mit recht simplen, aber eindrucksvollen Stücken die Stimmung an – kein Stück drängt sich unangenehm in den Vordergrund, das ist auch eine wichtige Leistung. Loben darf man auch noch die Kameraführung, die immer wieder auch einmal außergewöhnliche Einstellungen findet. Trotz 720p-HD-Video-Kamera zeigt der Film mitnichten ein Video-Look, sondern ähnelt den klassischen 35-mm. Letztlich gefällt mir die Wahl für die Darstellung der „Farbe“ außerordentlich gut, sie unterstützen sehr gut die Fremdartigkeit dieser „Substanz“ und geben ihr etwas überraschend plastisches.

Für Horror-Fans, die subtileren und langsamen Schrecken den großen Splatter-Hammer vorziehen, durchaus ein kleiner Geheim-Tipp. Und für Cthulhu-Fans sowieso.

„Die Farbe“ (D, 2010)

Regie: Huan Vu. 1:25h

★★★★★★★☆☆☆

www.die-farbe.com